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Publicado por Noan Benito Vega

Sigue el camino trazado por Mozart ...

En marzo de 1795, Beethoven, que entonces tenía veinticinco años, dio su primer gran concierto en el Burgtheater de Viena frente a una gran audiencia de aristócratas vieneses. El joven y fogoso alemán, que disfruta de un gran éxito como virtuoso y como compositor, presenta por primera vez el Concierto para piano n. ° 2 en si bemol mayor Opus 19 . Pero lo que llamamos N ° 2 es en realidad la primera obra escrita por el compositor. Esto se debe a que fue publicado en 1801, es decir, nueve meses después del segundo que, por tanto, tomará el título de Concierto para piano n. ° 1 en do mayor Opus 15 .

 

No se sabe si la partitura original se ha modificado porque esta última no se ha conservado. Lo que sí sabemos, sin embargo, es que la segunda edición del nº 2 estaba prevista para el concierto que Beethoven realizó el 29 de octubre de 1798 en Praga y que en esta ocasión realizó alteraciones principalmente en el primer movimiento.

 

En los ocho conciertos instrumentales, Ludwig Van Beethoven, sin duda, siguió el camino trazado por Mozar t sobre el virtuosismo. Pero este último luchó por un enriquecimiento interior y una sinfonía del género concertante sin lograrlo. Beethoven , en este sentido, superará a sus predecesores en el desarrollo de este género musical. Como tal, se convertirá en uno de los grandes reformadores de la obra concertante, al igual que Vivaldi antes que él y Rachmaninov después de él.

 

Con Beethoven, el acercamiento del concierto a la sinfonía se manifiesta principalmente por la amplitud y profundidad de las ideas subyacentes de cada obra, por la riqueza de las imágenes y por la elaboración temática. Gracias a la profunda interpenetración de las partes solistas y al refuerzo de la sonoridad orquestal, las composiciones concertantes abordan la obra con una parte pianística especialmente reservada para el solista.

 

Además, un profundo conocimiento de las posibilidades expresivas del género le ha permitido no solo preservar, sino también desarrollar y realzar las características tradicionales de la música de concierto, en particular su tono festivo y enérgicamente elevado. El mejor ejemplo que podemos dar de este acercamiento entre concierto y sinfonía querido por Ludwig Van Beethoven sigue siendo la fantasía coral en do menor opus 80 , precursora de la novena sinfonía . En el clímax, el coro entra en el desarrollo instrumental y, en las letras que glorifican el poder del arte, luego suena el tema de la alegría.

Martha Argerich, orquesta de piano Arturo Benedetti Michelangeli Claudio Abbado, director junio de 2000. Teatro Grande, Brescia
Frescura mozartiana ...

Con el Concierto para piano y orquesta N ° 2, única es la fusión de lo nuevo con lo antiguo, de lo individual con lo tradicional. El espíritu de Mozart está muy presente, desde las primeras frases de la exposición orquestal. De hecho, se siente toda la frescura mozartiana que prolonga la tonalidad del último concierto para piano de Mozart, K 595 (27), en si bemol mayor . Toda la obra gira en torno al si bemol mayor y tiene ese fraseo mozartiano, del que encontraremos el carácter ternario de la final. Este es sin duda el gran hallazgo de Beethoven antes de que el genial Schubert se apropiara de este tono y lo utilizara de forma permanente.

 

El primer tramo de la estructura concertante está montado en Beethoven, una introducción orquestal que habrá que modificar, ya que en los dos últimos conciertos para piano, este último intervendrá con autoridad desde los primeros compases.

 

Este concierto que originalmente estaba destinado, al menos en espíritu, a tener una estructura barroca, ya no tiene nada que ver con él, ya que el compositor se esforzará por desarrollar el carácter romántico a través de una síntesis tanto en forma de ritornello como en forma de sonata. . Además, se presentan muchos elementos temáticos: los efectos estéreo del primer y segundo violín así como la presencia de la flauta y el oboe que da este color menos habitual en una introducción instrumental, en Beethoven , cuya ejecución es siempre para reservarse la sorpresa. del solista y desde la entrada de este último, para notar realmente el establecimiento de las energías de la forma sonata.

 

Beethoven siempre necesita recurrir a elementos rítmicos fuertemente caracterizados como la línea melódica que precede al segundo tema en fa mayor con énfasis en el fraseo barroco y desapegado, los difíciles pasajes reversibles de la mano derecha y la mano izquierda aliada. el contrapunto así como el cromatismo que pasa a la mano izquierda en aras del apaciguamiento con, en fin, las preguntas del piano y las respuestas del conjunto orquestal, el bloque dice: “'orquesta contra la humanidad de solistas'.

 

En el concierto N ° 2, el solista se acerca a un virtuosismo mozartiano, más legato que es más de tipo romántico y que le da una frescura de fraseo y una articulación muy agradable aliada a la tonalidad lejana de un re bemol. También es el romántico Beethoven el que se nos presenta en esta obra con en particular los relatos de tercios que escucharemos en sus últimos cuartetos de cuerda y sus últimas sonatas para piano.

 

Con esta obra podemos decir que estamos indiscutiblemente en el teatro mozartiano. Esperamos ver aparecer voces conmovedoras, con un pasaje de una fuerte imaginación rítmica. La estructura barroca será este tercer tramo que Beethoven conservará y respetará en el desarrollo central donde el compositor se cede todos los derechos sobre todo con un plan modulador que reproduce desde la primera exposición del piano con una suspensión cromática en sol menor dominante y D. piso principal. Beethoven ciertamente aprendió esta técnica en sus lecciones de composición con Joseph Haydn cuando Mozart la aprendió con Michel Haydn , el hermano de Joseph.

 

En busca de matices de ida y vuelta crescendo y diminuendo sin eco, los violines hablan y después, todo el lado percusivo del solista, está toda la humanidad que vuelve y la ley del contraste es permanente. Luego viene la recapitulación donde retoma las tres áreas, parte de la introducción, parte de la exposición y parte de la tercera sección en la dominante. La gran novedad de la recapitulación respecto a la exposición es que el segundo tema volverá a la tónica, lo que dará un clima de relajación que es realmente el estilo clásico que propugna Charles Rosen, pianista y musicólogo estadounidense, y que escribió un libro sobre el estilo clásico. Además, esta característica de la tónica, marca de los grandes compositores clásicos, ya que los románticos evitarán encontrarse por completo en la tónica en una recapitulación.

 

Aquí es donde se abre la coda final, la última articulación primero en Re menor en una relación de tercera con una celda rítmica particularmente clásica y una relación de quinta con acordes temáticos disminuidos y arpegios que mantienen el contraste entre los elementos muy vivos y los elementos del canto. , que es técnicamente muy atrevido para la época, incluso se podría decir casi schumaniano, luego la unión de los dos temas mano izquierda, mano derecha con progresiones a la Brahms en el resultado en si bemol mayor dominante para traer de vuelta la tónica y aquí es la conclusión, la última articulación de esta forma de sonata ritornello.

Mis álbumes favoritos ...
Hacia una cantilena mozartiana ...

El adagio ya muy romántico comienza con el sonido de cuernos. Estamos en la magnífica tonalidad de mi bemol mayor con este adagio en forma de laberinto armónico, tonalidad utilizada, además, en el Opus 39, que nos muestra cómo el joven maestro concibió el manejo del material musical para poder ser capaz de expresan "todos los movimientos del alma" y si se escucha con atención, se oyen también las grandes escalas de la sinfonía heroica y la del concierto N ° 5 del emperador.

 

El piano retoma el tema orquestal para escapar rápidamente a una cantilena mozartiana (obra instrumental de carácter sentimental). Siempre de fondo, la permanente oposición del solista y el conjunto orquestal con una maravillosa ornamentación. También se podría pensar en el de Murray Perahia en su grabación completa de los conciertos de Mozart. Siempre las trompetas a tiempo para mantener el estilo del siglo XVIII y favorecer la luz interior. La ligereza del individuo frente al grupo y Beethoven nunca olvida en su orquestación para privilegiar a veces los vientos, a veces las cuerdas para afirmar ese lado danzarín cuando habla el solista.

 

Transiciones más oscuras de gran modernidad armónica en Mi bemol menor para efectos de sombras claras y oscuras y luces con una dominante que nos devuelve a Mi bemol mayor. Enorme anacrousa que recuerda el romance de los violines, corcheas agudas en tripletes para acompañar el oboe y legatos para calmar las cosas. Con Beethoven, la expresión a menudo surge del contraste entre legato y staccato para mostrar las diferentes células rítmicas hermosas ritmo femenino pero lleno de autoridad.

Es la música de la alegría ...

El tema rondo que se presenta y que recuerda el final del último concierto de Mozart en si bemol mayor. La característica de un tema rondó o de un coro en forma rondó es que los oyentes olvidan tanto todos los demás temas que quedarán inscritos en su memoria. También es la música de la alegría y de la juventud al mismo tiempo. Les recuerdo que este concierto fue escrito cuando Beethoven solo tenía diecinueve años. Por tanto, sentimos toda la ligereza especialmente en el trabajo de los arpegios.

 

Se renueva en su tema rondó como dos estribillos, a veces le da dos caras que le permitirán volver a exponerlo en otros momentos clave. Además, un diálogo muy rápido entre el solista y la orquesta al que no le falta brío, con escalas cromáticas muy traviesas y el tema del coro ya está inscrito en nuestra memoria.

 

El tema de sol menor aportado por los violonchelos de viola, clave poco utilizada a lo largo del concierto, aunque es la clave cercana al tema principal. Casi se pueden imaginar platillos turcos con el espíritu de la marcha turca o el secuestro del serrallo . Sol menor, Do menor, Si bemol menor entonces en tercera y en el simbolismo de las tonalidades vamos hacia una parte oscura pero donde la luz puede reaparecer en cualquier momento. Una vez más el estribillo que estamos esperando y recordando cada vez más con este acento en la segunda corchea y por tercera vez el solista devuelve la orquesta con un crescendo.

 

Beethoven nos presenta varios versos, obviamente porque es la estrategia de la forma rondó con un color subdominante que recuerda la tonalidad del adagio pero también con un uso deliberadamente muy percusivo y rebotante del piano para asegurar el contraste con el inicio de el verso que es más legato por tanto voluntariamente un toque más mozartiano. Cómo resistir un brío irresistible: arpegios de alta velocidad, tercios cromáticos a dos manos. Luego viene el final separado mientras la orquesta está legato. Final con un trino en tercera en la mano derecha -muy atrevido técnicamente para la época y del que Beethoven hará trinos de todo tipo el reinado absoluto sobre todo en sus últimas sonatas para piano.

Un resplandor de chispas e inspiración ...
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Concierto para piano n. ° 2 en si bemol mayor Opus 19 (grabación pública)

Solista: Martha Argerich

Dirección: Claudio Abbado

Grabado en el Théâtre de la Ferrare 2004

Yo suelo presentarles una discografía comparativa de la obra analizada, pero admito que para el concierto No 2 de Beethoven es difícil alabar los méritos de las interpretaciones, que además no son tan numerosas, porque hay una grabación de referencia. lo que te hace olvidar toda la discografía existente incluida la grabación de Evgeny Kissin bajo la dirección de James Levine publicada por Decca y luego por Sony.

Como he escrito una y otra vez, el No 2 de Beethoven (de hecho el primero) pretende ser una extensión del Concierto No 27 de Mozart en si bemol mayor y una vez más la grabación que es unánime tanto con el público como con la crítica. No solo por su legendario solista, sino por una interpretación mozartiana que podría calificarse de perfecta es la grabación de Martha Argerich grabada en el Théâtre de la Ferrare bajo la dirección de su eterno cómplice Claudio Abbado.

 

Se puede decir fácilmente que haber hecho parte de su iniciación pianística con el gran pianista mozartiano Friedrich Gulda , le dio una cierta ventaja y la complicidad de casi medio siglo entre el director y el solista agrega a esta versión una emoción particular porque ambos irradian chispas. , inspiración, aunque la explosividad de la juventud dé paso a la madurez y la experiencia, sin perjudicar el virtuosismo. Porque el punto fuerte de esta grabación: un virtuosismo absolutamente increíble, no tengamos miedo a las palabras.

 

Los arpegios y cromáticos son tan ligeros. Desde los primeros compases, queda atrapado por la precisión de la ejecución, por una actuación y un intérprete rebosantes de pasión y espontaneidad. Como habrás notado, la revisión es corta. De hecho, hay grabaciones de obras sobre las que nos gusta discutir o discutir. ¡Después de todo, es la especificidad del concierto, el discurso! Pero no hay charla ... Es solo una grabación que se puede escuchar. Un poco más de treinta minutos de una obra maestra que no querríamos parar nunca ...

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